Un appétit du voir, de questionner pour une liberté de penser...
L’art n’est pas un divertissement ni une décoration c'est avant tout une quête de sens et de liberté. Mes œuvres sont les témoignages vivants de mon engagement artistique, de ma vie et de ma sensibilité, avec une dose de résistance aux déterminismes. Si Il faut s’oublier pour mieux voir (proche d’un baroque du vide et du plein tout extrême-oriental) c’est devenu chez moi d'intuition en intuition un concept inattendu: une liberté de choix qui s’entrelace avec la perte du « Je », pour un regard avide et passionné, un appétit de questionner, une liberté de penser.
De nature plutôt discret et silencieux, j'ai cependant toujours exposé (sauf volontairement de 1982 à 1992). Depuis ma première exposition en galerie en 1975, j'ai montré mon travail dans de nombreuses villes à travers le monde : Nantes, Dallas, Houston, Strasbourg, Lille, Quimper, Paris, Chicago, New York, Séoul, Bruxelles, Dubaï …
Mes débuts ont été une immersion lente mais persistante dans l'étude assidue des écrits sur l'Art intimement liés et en parallèle avec les milliers de visites de musées et galeries de part le monde. Ma pratique artistique fut d'une persévérance inébranlable et d'une quête obsessionnelle de la vérité de la "chair" en peinture, visant à défaire la représentation pour faire surgir une présence, un "fait pictural".
Comme pour la vie de chacun d'entre-nous, ma vie/mon oeuvre fut et est toujours inextricablement liée à la contingence: le lieu de naissance, l'époque, le milieu social et culturel, la santé si prégnante, les produits disponibles sur le marché, le poids de l'histoire de l'art, le marché de l'art, les contraintes financières (par exemple deux enfants dans l'année de mes 20 ans - un travail alimentaire en radiologie médicale), les pressions sociales, géopolitiques quotidiennes, si souvent perturbantes et surtout dernièrement une révolution numérique sans précédent et l’IA.
Q’en est-il et qu'en sera-t-il de notre liberté dans un monde où tout semble si fluide, si rapide, si prédéterminé et où notre monde est de plus en plus dédoublé, ou le faux semble plus vrai que le vrai ? Qu'en sera-t-il de notre liberté dans un monde "post-humain"?
Toutefois nous n’en sommes pas moins responsable pour autant.
J’ai vu le jour sur les berges de l'estuaire de la Loire, c’est « Le territoire du vide » dont parlent les Orientaux; un lieu où les droites de la perspective s’écartent, un espace ouvert vers le large, l’aventure. C’est un territoire qui pourrait être le lieu par excellence de la plasticité, extrêmement marqué par le temps des marées; un climat esthétique où les brumes, les pluies, les flux et le sable, les nuages et leurs reflets, le vent, créent cet espace indifférencié, un « monde flottant » si chinois. Par une quête intuitive dans ma pratique j’explore la plasticité et l'impermanence du monde.
Ma peinture va s'intéresser à elle-même et s'interroger en action sur la logique interne de son médium.
Quand un artiste débute son oeuvre ou une peinture, il est plein de "clichés": les siens et ceux des autres. Comme certains peintres de ma génération et ceux de la génération précédente (Hantaï, Helen Frankenthaler, Morris Louis etc), j'ai partiellement dégagé le geste pictural d'un certain psychologisme. Ce qui m’a orienté sur une stratégie: celle de ne pas trop vouloir oeuvrer pour laisser libre court à la peinture elle même.
En fuyant l’illustration, le narratif, j'ai cherché l'imprévu, joué avec l'aléa, en évitant de me répéter et répéter les autres. Depuis longtemps mon travail du support (des polycarbonates thermophormés qui créent des reliefs comme déclencheurs d’imprévus) ne permet plus au « je » d'intervenir dans la phase finale de ma pratique. Il existe maintenant une ligne inorganique ou la poésie des fluides devient l’objet de l’intention pour un résultat final qui m'échappe. Je deviens le spectateur de quelque chose qui se fait là devant mes yeux. Il y a une certaine élégance à laisser la peinture se faire.
Ma volonté de peindre ou la main se libère des données visuelles (depuis plus de quarante ans), m'arriva après cette longue période d’excès de psychologisme dans la peinture et après une quasi "interdiction" de peindre dans les années 70.
Cette problématique paradoxale que je propose (liberté et perte du "je") nous amène naturellement aujourd’hui à réfléchir sur cette puissante et nouvelle contingence: une révolution technologique sans précédent, incarnée par l’intelligence artificielle. Il convient de voir ce que deviendra l’acquisition des connaissances dans ce contexte: comment se former, apprendre, comprendre lorsque les outils cognitifs évoluent au point de modifier fondamentalement notre rapport au savoir? Les effets de cette transformation sur l’esprit humain (qui manifeste fréquemment une propension à la paresse cognitive) demeurent incertains. Pourtant, il est impératif de maintenir un regard critique, condition sine qua non pour « être » au monde, c’est-à-dire pour exercer une liberté authentique de pensée, pour résister aux déterminismes, et pour créer un sens original dans un environnement en mutation.
Mes interrogations sont comme une sorte de défi philosophique: comment préserver l’autonomie de la conscience et la richesse de l’expérience humaine face à l’essor d’une « intelligence artificielle » omniprésente ?
"J'ai mis toute ma vie à savoir dessiner comme un enfant" disait Picasso. Je dirais un peu différemment: je désire ressentir de nouveau encore l'intense émotion des premières fois. L’absence de soi face à la naissance d'une peinture: c’est l’ambiguïté de capter une éternelle première fois d’un être sans métier, qui pourtant en a un.
Mon constant besoin de faire de la peinture est nourri par mon bonheur d’être surpris chaque jour par ce que je fais. Je revendique le corps, le réel, la texture de la peinture. Je l’exhibe et la délivre en toute liberté sur la toile, et mon appétit du regard se conjugue avec une jubilation de l'errance pour une délectation sans limite.
Ainsi s’écrit la poésie d’un avenir où l’esprit humain, fragile et puissant, devra sans cesse se réinventer.
gp
Mes remerciements à mes galeries, aux centres d'art et Musées qui m'ont exposés, à mes Amis proches et mes collectionneurs, à L. Gillard pour son soutien et ses écrits dans les années 90, à tant d'écrivains et philosophes pour leurs livres et leurs rencontres, à mes copains peintres et amis des USA...
_________________________________ traduction en anglais
An appetite for seeing, for questioning, for a freedom of thought…
Art is not entertainment, nor decoration—it is above all a quest for meaning and for freedom. My works are the living testimonies of my artistic commitment, of my life and my sensibility, with a measure of resistance against determinisms. If one must forget oneself in order to see more clearly (close to a baroque of emptiness and fullness of an extreme-oriental essence), this has become for me an unexpected concept: a freedom of choice interwoven with the loss of the “I,” for a gaze both avid and passionate, an appetite for questioning, a freedom of thought.
By nature rather discreet and silent, I have nevertheless always exhibited (except voluntarily from 1982 to 1992). Since my first gallery exhibition in 1975, I have shown my work in numerous cities across the world: Nantes, Dallas, Houston, Strasbourg, Lille, Quimper, Paris, Chicago, New York, Seoul, Brussels, Dubai…
My beginnings were a slow yet persistent immersion in the assiduous study of writings on Art, closely linked and parallel to thousands of visits to museums and galleries around the globe. My artistic practice was one of unwavering perseverance and of an obsessive quest for the truth of the “flesh” in painting, aiming to undo representation so as to bring forth a presence, a “pictorial fact.”
As with the life of each of us, my life/my work has been and remains inextricably tied to contingency: the place of birth, the time, the social and cultural milieu, health so decisive, the materials available on the market, the weight of the history of art, the art market, financial constraints (for example, two children at the age of 20—earning a living in medical radiology), daily social and geopolitical pressures, so often disruptive, and above all recently an unprecedented digital revolution and AI.
What of our freedom now, and what will become of it in a world where everything seems so fluid, so fast, so predetermined, and where our world is increasingly doubled, where the false seems truer than the true? What of our freedom in a “post-human” world?
And yet, this does not absolve us of responsibility.
I was born on the banks of the Loire estuary, in what the Orientals call “the territory of emptiness”: a place where the straight lines of perspective diverge, an open space toward the horizon, toward adventure. It is a territory that could be the very site of plasticity, deeply marked by the rhythm of the tides; an aesthetic climate where mists, rains, currents and sand, clouds and their reflections, the wind, create this undifferentiated space, a “floating world” so Chinese. Through an intuitive quest in my practice I explore the plasticity and impermanence of the world.
My painting turns upon itself and questions, in action, the internal logic of its medium.
When an artist begins his work, or a painting, he is full of “clichés”: his own and those of others. Like some painters of my generation and the previous one (Hantaï, Helen Frankenthaler, Morris Louis, etc.), I partly freed the pictorial gesture from a certain psychologism. This directed me toward a strategy: that of not wanting to “overwork,” in order to let painting itself take its course.
By fleeing illustration and narration, I sought the unforeseen, played with chance, avoiding repeating myself or repeating others. For a long time now my work with the support (thermoformed polycarbonates that create reliefs as triggers for the unexpected) has no longer allowed the “I” to intervene in the final phase of my practice. There now exists an inorganic line where the poetry of fluids becomes the object of intention, for an outcome that escapes me. I become the spectator of something that is happening there before my eyes. There is a certain elegance in letting the painting make itself.
My will to paint, where the hand frees itself from visual data (for over forty years), came to me after that long period of excessive psychologism in painting and after a near “prohibition” of painting in the 1970s.
This paradoxical problematic I propose (freedom and the loss of the “I”) naturally brings us today to reflect on this powerful and unprecedented contingency: a technological revolution embodied by artificial intelligence. It is essential to see what the acquisition of knowledge will become in this context: how to train, to learn, to understand when cognitive tools evolve to the point of fundamentally altering our relation to knowledge? The effects of this transformation on the human mind (which often shows a propensity for cognitive laziness) remain uncertain. Yet it is imperative to maintain a critical gaze, a sine qua non condition for “being” in the world, that is, to exercise an authentic freedom of thought, to resist determinisms, and to create original meaning in a world in transformation.
My questions are like a kind of philosophical challenge: how to preserve the autonomy of consciousness and the richness of human experience in the face of the rise of an omnipresent “artificial intelligence”?
“ It took me my whole life to learn to draw like a child,” said Picasso. I would put it somewhat differently: I desire to feel once again the intense emotion of first times. The absence of self before the birth of a painting: it is the ambiguity of capturing an eternal first time of a being without trade, and yet with one.
My constant need to paint is nourished by the happiness of being surprised each day by what I do. I claim the body, the real, the texture of paint. I exhibit it and release it in full freedom upon the canvas, and my appetite for seeing combines with the jubilation of wandering, for a delectation without limits.
Thus is written the poetry of a future where the human spirit, fragile and powerful, must ceaselessly reinvent itself.
gp
My thanks to my galleries, to the art centers and Museums that have exhibited me, to my close Friends and my collectors, to L. Gillard for his support and writings in the 1990s, to so many writers and philosophers for their books and their encounters, to my fellow painters and friends in the USA…
Le portrait :-) par David en 2003